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A haunting music video for Panda Bear’s »Surfer’s Hymn« as a tribute to all the surfers taken by the sea.
Panda Bear - Surfer’s Hymn, Dir: Sam Fleischner, via rote raupe
- Tiefdruckgebiet Neukoelln: Die Rotstiftfassung
Anselm Nehls, Carl Schilde: Wir stimmen jedes unserer zehn Autos wie Trommeln auf exakt einen Ton. Und weil wir verschiedene Sinustöne einsetzen kommt es zu Überlagerungen, Schwingungen. Es ergibt sich dadurch ein komplexes Wellenfeld, da sich die Töne modulieren – das ruft wiederum rhythmische Bewegungen hervor. Außerdem werden die Autos auch bewegt, der sprichwörtliche Klang der Straße spielt dann noch hinein. Die Schillerpromenade ist 50 Meter breit, dort hatten wir eine Resonanzfrequenz von 54,88 Hertz, teilweise darunter – was bedeutet, dass sich dort eine stehende Welle aus Wellenbergen und -Tälern bildet. So wird auch mit dem Hörempfinden der Zuschauer gespielt: je nach Distanz zum »Tiefdruckgebiet« verändert sich der Klang oder das Gefühl für die Installation bzw. Choreografie.
(…)
Jeder Wagen wird seinen eigenen vorproduzierten Ton haben. Daneben gibt es zeitliche Anordnungen, wann und wie er gespielt wird. Die Komposition konnte auch erst ganz zum Schluss stattfinden – zunächst war die Zahl der Wagen und der Spielort samt Vermessung notwendig.
(…)
Die Nichtreproduzierbarkeit von »Tiefdruckgebiet« außerhalb von »48 Stunden Neukölln« ist sehr wichtig. Schon für jeden Besucher wird es ein unterschiedliches Erlebnis sein, der Raum gehört unbedingt dazu. Fünf Meter Distanz werden für unsere Zuschauer schon einen großen Unterschied machen. Auch die Fahrgeschwindigkeit unserer Fahrer – beziehungsweise Musiker – spielt dabei eine große Rolle. Man kann sich später gerne auf YouTube ein Video ansehen, nur wird man vermutlich nicht einmal etwas hören weil der Ton so tief ist.
Unveröffentlichter Auszug meines Interviews mit Anselm Nehls & Carl Schilde / Tiefdruckgebiet/Heavy Listening, die lange Fassung / der Rest des Gesprächs zur Veröffentlichung am 15. Juni 2011 in der Berliner Zeitung, Berlin-Planer: Pop.
- Gang Gang Dance & Alexis Taylor: Die Rotstiftfassung
Sie haben ein Stück mit Alexis Taylor von Hot Chip aufgenommen?
Brian DeGraw: Wir lernten Hot Chip vor drei Jahren beim Pukkelpop Festival kennen und freundeten uns schließlich gut mit Alexis an. Er hatte immer ein großes Interesse daran, etwas mit uns zu machen. Und dann, am dem letzten Tag des Abmischens, gegen fünf Uhr morgens und vier Stunden vor Abgabeschluss beim Label beschäftigten wir uns dann doch noch mit diesem Instrumental-Track, der schon so lange ungenutzt herumlag. Also fragten wir Alexis, er wollte sowieso einfach nur bei irgendeinem Stück singen.“Will sing for money?”
Ja, das Tempo, in dem der Song zustande kam, könnte man wohl so lesen – aber es ist ja klar, dass es Alexis nicht ums Geld geht.“Romance Layers” ist tatsächlich der eine Song auf dem Album, der offensichtlich ganz anders klingt. Einerseits nach Achtziger-Jahre-Synthie-Pop, andererseits hat Taylor darin diese Crooning-Stimme drauf.
Das Ergebnis gefällt mir sehr – auch oder gerade, weil es eine so spontane Aufnahme war. Aber auch ganz ohne Alexis Gesang ist der Song sehr ungewöhnlich für uns. So weich, funky, lässig – das gefällt mir.Unveröffentlichter Auszug meines Interviews mit Lizzi Bougatsos & Brian Degraw / Gang Gang Dance, die lange Fassung / der Rest des Gesprächs zur Veröffentlichung am 18. Mai 2011 in der Berliner Zeitung, Berlin-Planer: Pop.
1. Debbie Deb - Lookout Weekend (Instrumental)
2. Untold - U-29
3. Jam City - Barely A Trak
4. Boddika - Basement
5. Egyptrixx - Liberation Front (Mike Q Remix - Bok Bok Re-Edit)
6. Ikonika - PR812
7. Pangaea - Runout
8. Jam City - Arpjam (Devil Mix)
9. Ikonika - With Your Face
10. Bok Bok - Reminder
11. A1 Bassline - Falsehood
12. Optimum - Afterglow
13. Mensah - The Resistance
14. French Fries & Bambounou - Hugz
15. Ikonika - I Make ListsKarazy!
- John Maus: Sing mir den Sinn vom Sein
Berliner Zeitung » Archiv » 2011 » 06. April » Berlin-Planer: Pop (erschienen in der gedruckten wie Online-Ausgabe der Berliner Zeitung)
John Maus über Religion, Fundamentalismus, Alain Badiou und sein neues Album “We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves”
Er hat bei Ariel Pink’s Haunted Graffiti musiziert, auf Hawaii seinen Doktor in Politikwissenschaften gemacht, und im Herzen trägt er die Haltung von Punk: der amerikanische LoFi-Synthie-Musiker, Softrock-Revivalist und Geisteswissenschaftler John Maus veröffentlicht im Juni sein neues Album “We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves”, mit dem er dem menschlichen Gemüt, dem “Empire” und der endlosen Weite des Universums nachgeht. Vor seinem bereits ausverkauften Berlin-Konzert im Hebbel am Ufer sprachen wir mit ihm über das Album, den Glauben und darüber, wie man dem Staat die Zähne zeigt.Herr Dr. Maus, eines ihrer neuen Stücke - “We Can Breakthrough” - klingt wie ein Kirchenlied, Ihr Gesang ist darin sehr choral angelegt. Sie singen: “Pray for me” - sind Sie ein gläubiger Mensch?
Ja. Ich habe immer die radikale Vision der Öffnung meiner selbst zu etwas Größerem als mich selbst gemocht. Ein Widerstand gegen jeglichen Absolutismus - natürlich wissend, dass Religiosität selbst eine eigene Form des Absolutismus ist. Ich sehe radikale Möglichkeiten innerhalb mythologischer und religiöser Konstrukte. Die Gewalt ist öfter auf der Seite des Denkbildes eindeutiger Wahrheit als auf der von Fundamentalisten. Heute beobachten wir weltweit die Mobilisierung der Dialektik der Aufklärung gegen die Fundamentalisten. Ich für meinen Teil habe immer im Hinterkopf, dass es etwas gibt, das jedes System überschreitet.
Im nächsten Stück singen Sie “I’m going to believe it” - das klingt eher selbstversichernd …
Natürlich ist der Glaube in der Abwesenheit von eindeutiger Wahrheit letztlich der Wetteinsatz. Aber versuchen wir es anders: Mein neues Album reflektiert meinen musikalischen Schaffensprozess bis hin zur Veröffentlichung. Man muss “weitermachen”, “durchbrechen”, “glauben”, wir müssen zu “unbarmherzigen Zensoren unserer selbst” werden. Diese an mich selbst gerichteten Parolen haben mich in den letzten zehn Jahren am meisten geprägt - wobei ich erst im Sommer letzten Jahres zum ersten Mal mit deren Unzulänglichkeiten konfrontiert wurde. Ich befand es dennoch für richtig, das Album nach dieser Philosophie und damit “We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves” zu betiteln.
Wie gehen imperativische Songtitel wie “Believer”, “We Can Break Through” oder “Keep Pushing On” mit Stücken wie “Copkiller” zusammen? Das ist ja sicherlich nicht als Befehl gedacht …
Wenn es überhaupt einen Befehl gibt, zu dem ich immer noch stehe, dann sicherlich “Copkiller”! Das meine ich natürlich nicht im wörtlichen Sinne, es geht nicht darum, Streifenpolizisten zu ermorden. Wenn ich von “Cops” spreche, dann meine ich die unmenschlichen Imperative unserer Welt, die uns davon abzuhalten versuchen, ein freies, selbstbestimmtes Leben zu führen. Das bürokratische Beharren darauf, Menschen nicht als menschliche Wesen zu sehen, sondern als reine Nummern. Diese Denke gehört zerstört, militant zerschlagen, das müssen wir in jeder vorstellbaren Art auslöschen.
Sie sind nun wieder bei dem eben angeschnittenen Begriff der Gewalt im Sinne des Imperiums angelangt - so wie es Antonio Negri und Michael Hardt zur Jahrtausendwende in ihrem post-marxistischen Sachbuch “Empire” skizzierten?
Exakt, ganz genau - dort wird ebenfalls die Sorte von “Cops” beschrieben, die ich im Sinn hatte. Ich habe das Böse selten selbst gesehen, aber wenn doch, dann in bürokratischer Form. Die Art, die einen nicht als Individuum ansieht. Diese bürokratische Kälte gehört zerschlagen.
Natürlich müssen wir nun über Body Count und Ice-T sprechen, die 1992 ihren gleichbetitelten Song veröffentlichten. “Cop Killer” wollten sie damals als Protestsong verstanden wissen, das sah die Regierung natürlich ganz anders …
Das ganze Fiasko um dieses Album ist so absurd. Da gibt es Songs über die Teufelsdroge Crack, die Notlage der afroamerikanischen Bevölkerung - aber man reduziert das Ganze auf “Cop Killer”. Der Songtext sagt ja nicht: “Zieht los und tötet Polizisten.” Ice-T stellt zu Beginn sehr genau klar, dass für jeden Polizisten, der jemals jemanden wegen dessen Hautfarbe, Haarlänge oder Musikgeschmack geschlagen hat, er ein “Schwein” auf den Parkplatz zerren und ihm in sein “muttergeficktes Gesicht” schießen möchte. Ich finde dieses Album großartig! Mein Bruder hat Body Count vor einigen Jahren mal live spielen sehen; Ice-T sagte, als er die Bühne betrat: “Ich spiele im Fernsehen demnächst einen Bullen - aber da gebe ich einen großen Scheiß drauf” - und dann spielten sie “Cop Killer”. Aber das ist der Song, den ich absolut im Kopf hatte, und der dazugehörige Text ist eine großartige politische Maxime - auf Augenhöhe mit dem kleinen roten Buch von Mao Zedong, in dem es heißt, dass es richtig ist, sich gegen Reaktionäre aufzulehnen. Body Count haben mit “Cop Killer” eine ähnliche Form des Protests beschrieben - und ich habe nun versucht, dies mit meinem langsamen Song nachzuempfinden.
1992 sollte “Cop Killer” zensiert werden. Hatten Sie keine Bedenken, dass sich die Geschichte wiederholen könnte?
Das ist eng verzahnt mit dem Titel des Albums, “We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves”. Den Titel habe ich dem Papier “15 Thesen zur zeitgenössischen Kunst” des französischen Philosophen Alain Badiou entlehnt. Badiou sagt, dass das Imperium keine Zensur mehr ausübt. Das Parents Music Resource Center (PMRC) kommt einfach nicht mehr wie Anfang der Neunzigerjahre daher, um Musikzensur auszuüben. Diesen Gedanken habe ich daher nie gehabt. Das liegt natürlich auch am Kapitalismus: Der verführt dich, bestärkt dich, um sich vermehren zu können.
Badiou sagt auch, dass “nicht-imperiale”, also subversive Kunst so fest gefügt sein muss “wie ein Beweis, so überraschend wie ein nächtlicher Hinterhalt und so hoch wie ein Stern.” Das funktioniert einerseits ganz gut als Erklärung von Popmusik - siehe The KLFs “Handbuch zum Nr. 1 Hit”. Aber andererseits auch als Schlüssel zu Ihrer entrückten und epischen Musik.
Einer der Wermutstropfen bei den gefeierten Philosophen und Theoretikern unserer Zeit ist, dass sie sich auf Wagner oder Schöneberg beschränken, sobald es um Musik geht. Es gibt innerhalb der Philosophie kaum ein Interesse, sich mit Popmusik auseinander zu setzen. Adorno ausgenommen, der wenigstens versucht hat, populäre Musik rigoros zu konfrontieren. Bei Badiou & Co. liest man dazu stets nur Randnotizen, vereinzelt sogar Verachtung. Dem widerspreche ich natürlich in vielen Punkten, andererseits waren mir die “Thesen zur zeitgenössischen Kunst” als junger Mensch eine große Verlockung. Sie missachten und provozieren so viele eingeschliffene Vorstellungen, die wir überdenken sollten.
Philosophie nimmt heute aber doch einen großen Teil der Popkultur ein, denken Sie nur an den Kulturkritiker und Philosophen Slavoj Zizek.
Um es mit Gilles Deleuze und Félix Guattari zu sagen: Wir müssen einen intensiveren oder “kleinen” Gebrauch einer “großen” Sprache etablieren - wie von Popmusik oder Genrefilmen. Als Künstler und Denker muss man die populären Sprachen radikal benutzen. Genau das versuche ich zu tun.
Auf ihren Alben gebrauchen Sie andere Arten der künstlerischen Ansprache als bei Ihren Konzerten. Ihre Musik selbst klingt sphärisch und sanft, ihre Live-Shows wirken dagegen sehr wild, brutal, leidenschaftlich.
Das muss ich wirklich bald mal überdenken, denn die totale körperliche Verausgabung, dieser Exzess bis zum völligen Schweißausbruch ist natürlich keine Dauerlösung.
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Das Gespräch führte Walter W. Wacht.
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John Maus: Sa (9. 4.), 23 Uhr, HAU 2 (ausverkauft!)
———————————————————————————————— - Darkstar: Je bedrohlicher, desto besser
Berliner Zeitung » Archiv » 2011 » 02. Februar » Berlin-Planer: Pop (erschienen in der gedruckten wie Online-Ausgabe der Berliner Zeitung)
Darkstar geben bei der Hyperdub-Nacht im Berghain ihr Berlin-Debüt. Ein Gespräch mit dem Produzenten James YoungDer aufregendste Sound der Gegenwart heißt wieder Dubstep: Aus dem rhythmisch komplexen, düsteren Clubmusik-Genre, das jahrelang vor allem im Underground stattgefunden hat, stammen einige der interessantesten jungen Pop-Hoffnungen. Das Debütalbum des Londoner Produzenten und Sängers James Blake wurde in dieser Zeitung bereits ausgiebig bejubelt. Aber auch die aus Nordengland stammenden Darkstar haben mit “North” ein fabelhaftes, zartes und entschleunigtes Langspieldebüt vorgelegt. Vor ihrem ersten Berlin-Auftritt am Freitag im Berghain sprachen wir mit Darkstar-Produzent James Young über das Album, seinen Bezug zu Berlin und die Zukunft von Dubstep.
Auf “North” findet sich mit “Ostkreuz” ein rein instrumentales, sehr bedrückendes Stück, das für Berliner sofort eine konkrete Assoziation herstellt: die gleichnamige S-Bahn-Station im Osten der Stadt.
Ich mag Berlin als Ort sehr. Ich habe die Stadt oft besucht, meine Ex-Freundin kommt von dort. Die Haltestelle Ostkreuz war stets mein letzter Aufenthalt, bevor ich Berlin Richtung Flughafen verlassen musste. Am Bahnsteig betrachtete ich die Stadt immer mit einem melancholischen Gefühl. Während des Schreibens an “North” traf der Gedanke dann einen Nerv, es erinnerte mich an diese losgelösten Momente kurz vor der Abreise. Und was hinzu kommt, die Station Ostkreuz hat für mich immer auch etwas von einem Spielplatz: Die Freiheit in Berlin ist - verglichen mit London - sehr viel größer, es scheint keinerlei Beschränkungen für die Menschen zu geben.
“Ostkreuz” erinnert musikalisch an die Kompositionen von Angelo Badalamenti für “Twin Peaks”.
In der Tat. Wir haben während des Schreibens viel Badalamenti gehört und uns von seinen Progressionen inspirieren lassen.
Das ist nicht der einzige Kino-Bezug bei Darkstar: Den Namen selbst haben Sie von John Carpenters gleichnamigem Film; auf dem Cover zur Single “Aidy’s Girl” ist die Stele aus Kubricks “2001” abgebildet.
Man kann schon sagen, dass Filme ein wiederkehrendes Motiv in unserer Arbeit darstellen, besonders innerhalb der Dramaturgie des Albums. Auch Regisseure wie Shane Meadows mit “Blutrache” und der Franzose Jacques Audiard mit “Ein Prophet” und “Der wilde Schlag meines Herzens” haben Aspekte unseres Albums mit ihren Filmen stark beeinflusst - besonders die ambientlastigen Stücke wie “Ostkreuz” und “Two Chords”.
Komponieren Sie also eher fürs Kopfkino als für den Club? Wollen Sie Bildwelten in den Köpfen der Hörer entstehen lassen?
Ich selbst visualisiere Musik immer für mich selbst, wenn ich sie schreibe. Daher versuche ich, das auch auf den Hörer abfärben zu lassen. Eines Tages einen eigenen Film zu drehen, wäre schön.
Womit wir bei Ihrem ersten Musikvideo wären: Für Ihre neue Single “Gold” haben Sie einen Computertomographen simuliert und geben darin einen dreidimensionalen Einblick in Ihre Gehirne.
Unser Regisseur Evan Boehm hat vorgeschlagen, Gedanken und Erinnerungen im Gehirn zu simulieren. Ich schätze diese Idee sehr, leider konnten wir es nicht so gut umsetzen, wie wir es uns gewünscht hätten - das Budget.
Auch der Song selbst lässt Erinnerungen aufleben: Er ist eine Cover-Version des Stücks “You Remind Me of Gold” von Human League aus dem Jahr 1982. Warum fiel die Wahl auf eine längst vergessene Single einer gerade erst wieder in Erinnerung rückenden Band?
Einer unserer Freunde spielte das Vinyl des Originals immer mal wieder bei Partys - allerdings viel zu langsam, auf 33 statt 45 RPM. Das ist auch schon unsere einzige Verbindung zu “You Remind Me of Gold”. Die langsamere ist auch die viel bessere Version des Songs, sie gefiel uns sofort - weshalb dies auch unsere Ausgangsposition für “Gold” war. Wir sampelten den Break, wir schickten die Gesangslinie durch den Vocoder und ließen James Buttery schließlich seinen Teil einsingen. Das war es also: Keine große Geschichte, nur die Erinnerung an eine Party.
Auf dem Album beginnt das Stück mit einer vollkommen vom Rest des Stücks losgelösten Ouvertüre von rund zwanzig Sekunden, in der Single-Version nicht.
Aiden hat da einfach am Keyboard rumgespielt. Es ist eine jener merkwürdigen Stellen eines Albums, die man mag und sie deshalb beibehält. Für die Single ließen wir es deshalb einfach weg - bei iTunes würde das wohl für Irritationen sorgen. Deshalb fangen wir dort doch lieber mit dem Bass an.
Auch die Live-Fassung unterscheidet sich stark von der Album-Version: Sie ist deutlich länger, düsterer und bedrohlicher, der Gesang setzt erst sehr spät ein, die Spannung wird langsam aufgebaut. Was kann man von Ihrem Konzert im Berghain erwarten?
Wir bauen unsere Live-Sets grundlegend anders als unsere Studioarbeiten auf. Ich würde auch behaupten, dass die Live-Version von “Gold” besser ist als die auf unserem Album. Der langsame Aufbau und die Bedrohlichkeit kommen einer Club-Umgebung deutlich besser zupass. Gerade im Berghain kommt uns das mit der hervorragenden Anlage und der Architektur sehr entgegen, unser Publikum kann sich durch die Entschleunigung auch sehr viel besser auf uns und unsere Musik einlassen.
Wollen Sie auch stärker als Band, als Live-Musiker gesehen werden? Von Dubstep-Künstlern ist man sonst eher Laptop-Konzerte oder eben klassische DJ-Sets gewohnt.
Ich hoffe das. Natürlich setzen wir auch Laptops ein, 70 bis 80 Prozent unserer Musik wird aber gleichzeitig live an Keyboards und natürlich mit Gesang produziert. Aber es macht mir auch nichts aus, als Laptop-Musiker wahrgenommen zu werden. Der Gesamtklang und das Funktionieren der Show sind das Ausschlaggebende.
Mit “North” sind Sie auch nicht mehr wirklich musikalisch eng mit Dubstep verbunden. War Ihr Entschluss, die “klassischen” Dub- und 2-Step-Rhythmen zu Gunsten eines songorientierteren Ansatzes hinter sich zu lassen, letztlich der richtige? Eine visionäre Entscheidung?
Visionär nicht, aber eine bewusste Entscheidung: Wir beenden dies und beginnen jenes. Wir hätten auch in den 2Step-Klängen von “Aidy’s Girl” gefangen bleiben können, aber unser Interesse daran hat sich verändert. Mit dem Schritt ins Studio haben wir diese Entscheidung gefestigt.
Kurz nach dem Erscheinen von “North” Ende letzten Jahres erschienen andere songlastige Veröffentlichungen aus dem Dubstep-Kosmos: “Klavierwerke” und “Limit to Your Love” von James Blake oder “Blue Truth” von Jamie Woon. Findet im Dubstep eine Trendwende statt, innerhalb derer sich das Genre Richtung Popmusik öffnet?
Es liegt nicht in meinem Ermessen, uns da selbst hervorzuheben. Ich mag James Blakes Stücke, aber diese Richtung hat er unabhängig von uns eingeschlagen. Es ist noch zu früh für eine generelle Prognose. Aber es finden parallel mehrere Entwicklungen statt, nur fehlt dafür eine Community.
Aber dass Dubstep sich generell zu einem popmusikalischen Phänomen entwickelt, ist schwer von der Hand zu weisen: Da gibt es Major-Label-Acts wie Magnetic Man oder Modestep, und sogar die neue Single “Hold it Against Me” von Britney Spears verwendet einen Dubstep-Breakdown - der Rhythmus schwappt in die Popmusik …
Dubstep hat sich in den letzten Jahren sicherlich aus einer hermetisch geschlossenen Szene auf den Mainstream ausgeweitet, was zunächst einmal ein gutes Zeichen für das Interesse der Leute an dieser Art Musik ist. Aber ganz ehrlich: Wir sind ganz froh, mit diesem Markt nichts zu tun zu haben.
————————————————————————————————Das Gespräch führte Walter W. Wacht.
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Hyperdub Labelnacht mit Darkstar, Kode9 & the Spaceape, King Midas Sound, Cooly G, Terror Danjah, Ikonika, DVA: Fr (4.2.), ab 20 Uhr, Berghain
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- Mar 30, 11
Wer auf einen Konzertbesuch der einzigen Club-Show von The Kills in Berlin spekulierte, derzeit aber noch kein Ticket besitzt – Pech gehabt: die Show im Huxley’s ist ausverkauft. Schon im Januar des Jahres haben Alison Mosshart und Jamie Hince die Promo-Maschine für ihr neues Album »Blood Pressures« angeworfen, die logische Konsequenz: große Vorfreude auf ihr viertes Studioalbum und ein damit ausverkauftes Konzert. Zwei Trostpflaster gibt es allerdings:
- Mar 28, 11
Here, here, the new Radiohead-newspaper »The Universal Sigh« with today’s topic: The Woods!! So marktschreierisch sich der Eingang dieses Textes liest, so treffend ist er. Die Ankündigung der Gruppe Radiohead um die weltweite Verteilung einer Zeitungsausgabe wurde vergangene von großem Pressewirbel begleitet – wie in den letzten Jahren immer, wenn Thom Yorke und Band ein neues Projekt lancierten. Ein guter Anlass für eine Blattkritik zu »The Universal Sigh«.
- Mar 24, 11
Seit 2005 war er ein festes Mitglied von TV On The Radio, in Zukunft wird sich Gerard Smith aber ganz auf sich selbst konzentrieren – müssen. Der Bassist der amerikanischen Band erhielt kürzlich eine Krebsdiagnose, an den Aufnahmen zu ihrem neuen Album »Nine Types of Light« hat Smith aber noch mitgearbeitet. Die Band veröffentlichte derweil das Musikvideo zu »Will Do«, das gleichzeitig einen Ausblick auf den Albumbegleitenden TVOTR-Film »Nine Types of Light« zu geben scheint.
- Mar 21, 11
Wo ist Dubstep? Oder anders gefragt: Wo ist Housemusik? Darren Cunningham alias Actress schob Anfang des vergangenen Jahres mit seinem Album »Splazsh« erfolgreich die Genretektonik an, die Musiken begannen seitdem immer mehr zu driften und sich zu reiben: Joy Orbison veröffentlichte zuletzt immer mehr von geraden Beats geprägte Tracks oder legte konsequenterweise auch gleich House statt Dubstep auf – so geschehen u.a. 2010 im Horst Kreuzberg, was auf der Tanzfläche durchaus für Irritationen ob der musikalischen Taktung sorgte. Mit dem neuesten Teil der Reihe »fabric Live« gibt nun der 22-jährige Produzent David Kennedy einen Überblick über seinen Output unter den Pseudonymen Ramadanman und Pearson Sound.
- Mar 17, 11
Ein bisschen Blut, ein wenig reingrätschen, etwas auf die Nase und die obligatorischen Schäferhunde – ansonsten bleibt in der Welt der Reklame alles beim Alten: Niederlagen, Erfolge, große Emotionen. Der französische Regisseur Romain Gavras (u.a. M.I.A.s »Born Fee«) zeichnete für die aktuellste Werbekampagne eines deutschen Sportartiklers verantwortlich, im neuen Clip laufen die bekannten Testimonials auf: die Fußball-Profis David Beckham und Lionel Messi, die Leichtathletin Blanka Vlašić sowie die Musiker B.O.B (Bobby Ray Simmons) und Katy Perry. Die wahren Stargäste dürften aber mittlerweile Justice sein, die für den Clip einen Ausschnitt ihrer neue Single »Civilization« zur Verfügung stellten.
- Mar 17, 11
Dylan-Komplettisten aufgepasst, es gibt neues Material für den Plattenschrank: Mitte April erscheint mit »In Concert: Brandeis University 1963« die erste Einzelveröffentlichung von Bob Dylans Auftritt auf dem Brandeis University Folk Festival aus den sechziger Jahren – eine recht passende Einstimmung auf die zwei Live-Shows, die Dylan Ende Juni in Deutschland spielen wird.
- Mar 16, 11
Apropos Burial: Der große Dubstep-Produzent aus London machte sich zuletzt wieder sehr rar, die neue Single mit Four Tet und Thom Yorke war in den letzten zwei Jahren das höchste der Gefühle. Da aber fast jede schlechte Meldung mit einem ›Aber‹ relativiert werden kann, kommt hier die gute Nachricht: aber Burial koproduzierte die neue Single »Lady Luck« des britischen Ausnahme-R&B-Crooners Jamie Woon. Zur neuen Single Woons gibt es nun ein Musikvideo, außerdem wurde der Track von Hudson Mohawke geremixt.
- Mar 16, 11
In diesem Jahr scheint Kieran Hebden etwas aufzudrehen: Nach einer Split-Single mit Dan Snaith (Caribou alias Dauphin) hat der Produzent, der unter seinem Alias Four Tet wesentlich bekannter ist, nun schon die zweite Veröffentlichung auf seinem Label Text Records in der Hinterhand: Eine gemeinsame Kollaboration mit Thom Yorke und Burial, die beiden neuen Stücke kann man vorab im Stream hören.
- Mar 14, 11
Hinter uns liegt ein schockierendes Wochenende: In Japan ereignete sich mit 9,0 Punkten auf der Richterskala das viertstärkste Erdbeben seit Beginn der Aufzeichnungen, ein daraus folgender Tsunami verwüstete große Teile des Landes und kostete Tausende das Leben und schließlich drohen mehrere kritische Störfälle sowie ein GAU in den Reaktorblöcken des Atomkraftwerks Fukushima I der Umwelt – in Japan und dem Rest der Welt ist heute nichts mehr wie zuvor. Der Musiker Micah Frank gewann dem Erdbeben nun einen Klang ab.
- Mar 10, 11
Als Kind der Neunziger führte kein Weg an Bud Spencer und Terence Hill vorbei. Wenn die nach Berlin quasi-emigrierten Österreicher Ja, Panik nun auf ihrem neuen Album »DMD KIU LIDT« die Zeile »I’m in trouble, trouble, trouble / deep, deep, deep trouble« texten und der Song auch noch »Trouble« betitelt ist, dann darf man ruhig mal an den Spaghetti-Klassiker »Troublemakers« von 1994 denken – auch wenn das eine inhaltlich bzw. als Referenz mit dem anderen nichts zu tun. Die neue Single von Ja, Panik kann man derzeit jedenfalls gratis als MP3 herunterladen.
